GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor BERTH el Lun Mar 09, 2009 4:03 pm

Ya que es esta la sección de Cultura Vasca, qué tal si abrimos una charla dedicada a la cultura vasca en general, y exponemos cuales han sido o son los más importantes artistas vascos en sus diferentes géneros.

Es que la cultura no solo es el euskera.
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Notapor BERTH el Lun Mar 09, 2009 4:09 pm

IGNACIO ZULOAGA

(1870-1945) Eibar, España


Pintor vasco nacido en 1870, en Eibar (Guipúzcoa). Desde niño comenzó a reproducir, con pluma y lápiz, dibujos de revistas ilustradas. La afición incipiente se fue consolidando hasta culminar en la adolescencia en un conflicto familiar, ya que su padre pretendía que estudiase ingeniería. Pero la falta de afición por los libros se hizo cada vez más patente, y la decisión de seguir los caminos del arte fue prosperando. Las primeras obras son ingenuas, de autodidacto, con temas de obreros junto al yunque y otras escenas de trabajo. Las únicas enseñanzas recibidas en arte se las debía sin embargo a su padre, Plácido. Fue copista en el Museo del Prado y en 1884 viaja a Roma y a París en 1885, donde acude al estudio de la Palette. Allí tiene la oportunidad de entablar contacto con Degas, Gauguin y Toulousse-Lautrec aprendiendo la técnica del Impresionismo. Desarrolla muy pronto interés por temas taurinos y andaluces, captando escenas de costumbres que retratan a la España del 98.


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Entre sus influencias encontramos a Goya, quien le influye en su composición y su pincelada de trazo grueso. Su amor por la meseta le lleva a trasladarse en 1898 a Segovia, donde capta la importancia de los personajes de Castilla con los que se identifica. Su relación con la generación del 98 evoca temas de una España en crisis. La crudeza de sus pinceles le llevó a ser rechazado en varias ocasiones por la crítica nacional. En obras como El Cristo de la sangre retrata con acritud la idiosincracia del pueblo español.

Rehusó el impresionismo buscando un lenguaje propio en el que predominase la pastosidad y las curvas decorativas procedentes del modernismo. Su inclinación por los temas dedicados a las mujeres le induce a retratar distintos personajes. Junto con Gutiérrez Solana encarna la vertiente costumbrista de la pintura de principios del siglo XX, aunque a diferencia de éste, su paleta es más brillante y su visión de los tipos y de las costumbres del campo castellano es menos pesimista, aunque se encuadra dentro de un realismo expresionista.
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Notapor BERTH el Lun Mar 09, 2009 4:21 pm

AGUSTIN IBARROLA GOICOECHEA


(Basauri, Vizcaya, España, 18 de agosto de 1930) es un pintor y escultor español


Tras comenzar su relación con la pintura de forma autodidacta (a los 16 años realizó su primera exposición), en 1948 la Diputación de Vizcaya y el Ayuntamiento de Bilbao le concedieron una beca con la que se traslado a Madrid para continuar sus estudios en el taller de Daniel Vázquez Díaz, hasta 1955. Junto con éste dio sus primeros pasos en el cubismo.

En 1950, conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco Jorge Oteiza; junto a éste se introdujo en la división y análisis del espacio propia del constructivismo. También aprendió de Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.

En 1956, y tras relizar diversas exposiciones en España, se trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas españoles residentes allí, con los cuales en 1957, el el café Rond Point fundaron el Equipo 57; entre integrantes de dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y José Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre la técnica del grabado y se integra en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco. Esta es la época del constructivismo.

Durante los años 60 inicia su actividad política y social, siendo detenido en 1962 y encarcelado varios años, entre 1962 y 1965 y entre 1967 y 1973, en la prisión de Burgos por su militancia comunista. Posteriormente participó en diversas huelgas obreras, motivo por el cual fue encarcelado de nuevo en 1967. Durante ambas estacias en prisión continuó pintando.

En 1963, se celebró una exposición de su obra en Londres donde sus trabajos merecieron que la crítica le comparase con el papel que desarrolló Goya en su obra Desastres de la Guerra.

Su obra pictórica es un desarrollo plástico de su ideología política, pudiendo ser inscrita dentro de la pintura social, denunciando la realidad del proletariado y el mundo rural. Su obra conjuga el espíritu vasco con el compromiso social con los trabajadores, las gentes más humildes y tiende hacia el expresionismo.

Realizado en el seno del Equipo 57, relizó diversos estudios sobre los espacios curvos y sobre las relaciones positivo-negativo y cóncavo-convexo que posteriormente influyeron notablemente en su planteamiento estético. En la década de los 80 inició su actividad escultórica y su singular visión de la obra pictórica, reflejada posteriormente en algunas de sus obras, como sus "Bosques".


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Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo de éstos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de Oma, cerca de Guernica, quizás su trabajo más conocido.

Siguiendo el "formato" elegido en Oma, Ibarrola realizó en Salamanca el conocido como "Bosque Encantado". Se trata de un lugar, a orillas del río Tormes, donde se han ubicado una serie de olmos secos, debido a la enfermedad de la grafiosis, propia de estos árboles. Con ellos, Ibarrola, junto con algunos alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca creó el citado bosque, decorando los olmos con motivos de pintura de vivos colores.

En 1993, algunas de sus obras, y otras de Jorge Oteiza y Jon Iturrarte sufrieron sucesivos atentados por motivos políticos, todas ubicadas en el País Vasco. En el año 2000 fueron destruidas las cortezas de unos cien árboles del Bosque de Oma y dos fueron talados tras una primera agresión de los propietarios del Bosque.

En 2005, tras los continuos ataques a sus obras y la persecución y amenazas de la banda terrorista ETA y su entorno hacia su persona, el artista decidió autoexiliarse y abandonar el País Vasco y establecerse en la finca Garoza de Bracamonte, que le cedió su amigo y experto en arte Alfredo Melgar, en Ávila. Desde allí ha continuado su obra, trabajando la piedra y otros materiales; él mismo ha manifestado en ocasiones su deseo de la creación de una fundación con edificios-museo para que alberguen el conjunto de su obra.

En los últimos años se ha involucrado en movimientos sociales por lucha contra el terrorismo de ETA en el País Vasco, siendo miembro fundador a la plataforma ¡Basta Ya! y del Foro de Ermua (cuyo logo, El Faro, fue diseñado por él en 1998) de lucha cívica contra el terrorismo en el País Vasco.

También ha manifestado en diversas ocasiones su apoyo al partido Unión Progreso y Democracia, nacido en el seno de ¡Basta Ya!, llegando a donar para subasta dos de sus obras con el fin de recaudar fondos para dicho partido.

Está en posesión de la Medalla de la Orden del Mérito Constitucional.

Otras de sus obras más conocidas son El bosque de los tótems' (1996) en la Estación de Príncipe Pío de Madrid, Ola a ritmo de txalaparta (1986/1987) en la Estación de Chamartín de Madrid, Viaje al infinito (1985) en la Estación de Abando de Bilbao y, una de sus últimas y más espectaculares, los Cubos de la Memoria en el puerto de Llanes, unos espectaculares cubos pintados de vivos colores en el escollera del dique del puerto.

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Notapor Gizakume Bizikide el Lun Mar 09, 2009 7:56 pm

Kaixo Berth, hemen dozuz beste batzuk ( auqie tienes otros....)

Juan de Bustamante, Errenazimentuko margolaria (Lizarra , ~1495 - ~1553)

Francisco Mendieta Retes, margolaria eta historialari (Mendieta, 1556 - ?)

Baltasar Etxabe Orio, (Etxabe "zaharra" izengoitiaz ezagutua) margolaria, idazlea eta legegizona (Oikia, 1548 1548 - México, ~1620)

Ignacio Iriarte Zabala. Margolaria (Azkoitia, ~1621 - Sevilla, 1685).

Valentín de Zubiaurre ( Madril 1879 Abuztua 22) Euskal Valentín de Zubiaurre eta Urinobarrenechea.-ren semea

"bertsolaris"
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Anselmo GUINEA Y UGALDE (Bilbo 1854 apirila- 1906 Ekaina 10 ).

Epifanio Díaz de Arcaute ( XIX)

ORTIZ DE URBINA URIBARREN, Mauro ( Gasteiz 1882 Ekaina 15)

Pedro López de Robles (1828-1901),
Kaperotxipi, Mauricio ( Zarautz, 1901-1997)
Ignacio Díaz Olano, Enrique Albizu, Echauri, Juan Larramendi, Ignacio Ugarte, Ignacio Larra, Ricardo Sanz, García Barrena, Federico Echevarría, Félix Beristáin, García Erguin, Juan Antonio de Umarán etabar,...... Zerrenda bukaezina.......margolaritzaz gain kimokigintzan, zizelkaritza (eskulturan), dantzan, eraikintzan (arkitekturan), abestian, musikan

( ademas de la pinura, tambien encontraras vascos en la vanguardia del mundo del comic, la arquitectura, la esculptura, el baile , la danza, la musica, etc...)

Aio!
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Re: GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor BERTH el Mar Mar 10, 2009 4:33 pm

Kaixo Gizakume, menuda lista que me has colocado, gracias.

Oye, ese madrileño tan vasconizado, muy bueno el Valentín de Zubiaurre y su pintura de los bertzolaries. En serio, me ha gustado conocer a un madrileño que siente admiración por las tradiciones vascas y esos poetas. Muy guapo.

Otro dia meto al Zubiaurre, hoy he encontrado a este otro.

Ondo izan




ZABIER AZURMENDI OÑEDERRA

Nació en Donostia en 1961.

Aficionado al dibujo y la pintura, en 1983-84 asiste al estudio de Teresa Riera donde hace sus primeras obras al óleo.

En 1993 empieza a pintar en el estudio de Rosa Valverde, que le anima y enseña a utilizar otros materiales y técnicas. Hasta 1998 aprende en este estudio las técnicas de óleo, pastel, acuarela y grabado. También trabaja el barro y la madera iniciándose en la escultura.

Xabier Azurmendi compagina su trabajo con la pintura, lo que influye en su elección de técnicas así como en su producción de obras. Aunque en un futuro proyecta profundizar en la acuarela, el grabado y los retratos, actualmente utiliza el óleo aplicado con espátula y el pastel como formas de expresión. En el caso del óleo, mezcla los colores en el lienzo sin utilizar la paleta. Con respecto al pastel, prefiere utilizar los dedos para difuminarlo, imprimiendo en sus obras fuerza y destacando la luminosidad y la profundidad.

Azurmendi está influenciado tanto por el impresionismo como por el pintor estadounidense Edward Hopper. Sus obras no sólo son figurativas. También tiene cuadros abstractos, donde utiliza una amplia gama de colores.


Entre sus proyectos más inmediatos se encuentra el de desarrollar el área de la escultura en madera y en piedra, sin dejar de lado el grabado y la cerámica.

Con relación a sus exposiciones, tiene proyectado exponer fuera de Donostia.



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Re: GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor Gizakume Bizikide el Mar Mar 10, 2009 4:41 pm

Valentín de Zubiaurre a pesar de haber nacido en Madrid era el hijo del escritor vasco Valentín de Zubiaurre Urinobarrenechea.
Suele pasar muy a menudo ( salvo la tópicas excepciones) que la mayoría de las familias que llevan el apellido, se encuentren donde se encuentren, son conscientes de su origen vasco.

vivan en Venezuela o en NY. :)
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Re: GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor Zakil_txiki el Vie Jun 05, 2009 10:56 pm

Berth ha sido tan objetivo y tan imparcial a la hora de escoger sus artistas y de remarcar con negrita sus cualidades más destacadas que no puedo ser menos.

Inicio un subtema dentro de su charla bajo el título GRANDES ESCRITORES CASTELLANOS???¿¿¿!!??


Alfonso Sastre
De Wikipedia, la enciclopedia libre

Alfonso Sastre Salvador (Madrid, 20 de febrero de 1926), escritor, dramaturgo, ensayista, guionista cinematográfico español, uno de los principales exponentes de la llamada Generación de 1955 o del medio siglo.
Biografía

Alfonso Sastre proviene de una típica familia burguesa. Creció con tres hermanos (Aurora, Ana y José) y recibió una formación católica. Padeció los bombardeos y el hambre de la Guerra Civil y cursó el bachillerato en el Instituto Cardenal Cisneros de Madrid por el sistema "libre" en una Academia Privada. En 1943 comenzó la carrera de ingeniero aeronáutico, que abandonó a los quince días; lo intenta con la Carrera de Aduanas y empezó a finales de los años cuarenta con obras existencialistas solo o en colaboración con el grupo "Arte Nuevo", que cofundó en 1945 para acabar con el tipo de teatro burgués auspiciado por Jacinto Benavente.

Este colectivo agrupó, él aparte, a autores como Medardo Fraile, con quien escribió la pieza Ha sonado la muerte, estrenada en el teatro Beatriz en 1946; Carlos J. Costas, José Franco, José Gordón, José María Palacio y Alfonso Paso. En su seno compuso Sastre los dramas Uranio 235, Cargamento de sueños (estrenada el 9 de enero de 1948 en el teatro del Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid por Arte Nuevo bajo su dirección y que narra la historia de un mendigo a quien la desgracia arrebató la fe), El cubo de la basura etcétera. En 1947 empieza a estudiar filosofía y letras y en la universidad funda la revista Raíz con Juan Guerrero Zamora, donde publica su traducción de Das Urteil, de Franz Kafka. Escribe en colaboración con Medardo Fraile Comedia sonámbula. Interviene como actor en L'annonce faite à Marie de Paul Claudel con la compañía Teatro Universitario de Ensayo. Comienza a colaborar en la revista La Hora y cumple el primer periodo del servicio militar en La Granja. En 1949 comienza Prólogo patético, que termina en 1950; la obra es prohibida y el autor pasa a comprometerse con el marxismo y el teatro social.

En 1950 firmó con José Mª. de Quinto el Manifiesto del Teatro de Agitación Social (TAS) e inicia una serie de polémicas en periódicos, libros y coloquios defendiendo la modificación activa de la sociedad por medio del teatro. Continuamente prohíben al grupo representar obras propias o ajenas. En 1953 concluyó sus estudios de Filosofía y Letras y tiene lugar su primer gran éxito, Escuadra hacia la muerte, drama en dos actos estrenado el dieciocho de marzo de 1953, prohibido a la tercera representación e interpretado por el T.P.U., Teatro Popular Universitario, donde un grupo de soldados se encuentra castigado en una tercera guerra mundial y se subleva asesinando al cabo; sienten, sin embargo, angustia y soledad y cada uno escapa de ella a su manera: Adolfo intentará sobrevivir en el monte, Andrés se pasará al enemigo y Javier se ahorcará. Pedro y Luis confían en el perdón. El 17 de septiembre de 1954 se estrenó La Mordaza, que trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos. El mismo año escribió el drama revolucionario Tierra roja, que no se pudo representar, ya que trataba crudamente el tema de la explotación. Siguieron piezas como La sangre de Dios, Ana Kleiber (1955, estrenada en Atenas, 1960), Guillermo Tell tiene los ojos tristes (1955), drama histórico representado en Cagliari (Italia) en 1972, ya que fue prohibida por el régimen franquista; con apariencia histórica trata en realidad de la represión franquista. Muerte en el barrio diálogo entre un comisario y un tabernero sobre el linchamiento de un médico, ausente de su trabajo cuando debía atender a un niño, que muere víctima de un camión. Le siguen obras como En la red o La cornada, ambas de 1959, esta última sobre el mundo de los toros; todos estas obras constituyen su teatro revolucionario. Por entonces empieza a colaborar en guiones cinematográficos para los directores José María Forqué y Juan Antonio Bardem.

En 1960 redacta el Manifiesto del Grupo de Teatro Realista también con J. M. Quinto por un teatro de calidad. Esta experiencia se refleja en su ensayo Anatomía del realismo (1965). Se acerca al teatro infantil con la pieza El circulito de tiza (1962), basado en un apólogo chino.

Su llamado Teatro penúltimo (1965-1972) representa una nueva evolución, y está constituido por siete obras: M.S.V. (o La sangre y la ceniza) (1965), El Banquete (1965), La taberna fantástica (1966), Crónicas romanas (1968), Ejercicios de terror (1970) y El camarada oscuro (1972) y Ahola es de leíl (1974).

Con ellas presenta la tragedia compleja, collage de la aristotélica, el teatro épico de Bertolt Brecht y el esperpento de Ramón María del Valle-Inclán. La sangre y la ceniza, o M.S.V. -iniciales de Miguel Servet Villanueva- se escribe entre 1962 y 1965 y se edita en italiano y francés antes que en castellano (1976). Trata el proceso inquisitorial del médico, humanista y teólogo Miguel Servet, quemado por Calvino; por influjo del teatro brechtiano mezcla elementos dispares: sólida documentación histórica, himnos nazis, periodistas contemporáneos, imágenes proyectadas, efectos sonoros, inclusión del público en el drama y un lenguaje de contrastes entre el cultismo, el arcaísmo y la jerga, a fin de desconcertar y concienciar al público burgués para que se incomode y deje su alienación. En 1966 Sastre fue encarcelado y con La taberna fantástica (1968, pero estrenada el 23 de septiembre de 1985) trata, con apariencia de sainete, el tema del lumpen y la marginalidad: al morir la madre de "el Rojo", él y otros quinquis -quinquilleros- reprimidos por la justicia y que actúan de modo compulsivo; visitan la taberna de Luis y airean sus trapos sucios, se emborrachan y encolerizan y el Carburo apuñala al Rogelio -"el Rojo"-; todo termina esperpénticamente con romances y coplas a las "virtudes" del muerto. Los personajes se hallan desestructurados por su rol social y el lenguaje reproduce hasta lo ininteligible las jergas de gitanos y quinquis madrileños. Crónicas romanas (1968) es una versión de cerco de Numancia con alusiones a la obra de Cervantes sobre este tema; recurre otra vez al collage con imágenes nazis y referencias al Ché Guevara. Reconocemos grupos universitarios: sus hábitos -la obra se cierra con la canción "No nos moverán"- y su argot. Habla el historiador Polibio, que no figuraba en las versiones clásicas de Numancia. Se denuncia la violencia con que las civilizaciones se imponen atropellando los derechos del hombre y los numantinos sucumben bajo cargas policiales como las actuales. En 1971 escribe Askatasuna! y un año después viaja a Cuba y Cagliari, donde se representan sus obras editadas dos años más tarde en francés. Estrena en Rusia y Estados Unidos. En 1974 encarcelan a su mujer Eva Forest hasta 1977 por colaborar con E.T.A. en el atentado de la cafetería Rolando, que se saldó con 12 muertos, y también a él mismo entre octubre de 1974 y junio de 1975. En 1978 terminó la Tragicomedia fantástica de la gitana Celestina, publicada en italiano en 1979 y en español en 1982. Se cuenta la historia clásica invirtiendo algunos elementos, ya que Calisto se enamora de Melibea, antigua prostituta y actual abadesa de un convento; Parmeno lo conduce allí pero Calisto huye perseguido por hereje y la gitana Celestina convence a Melibea para que acepte a Calisto; en una entrevista entre los amantes, unos animales los matan, Celestina muere como monstruo deforme y Sempronio se ahorca. Desde ultratumba, Calisto y Melibea saborean sus últimos instantes de amor. El viaje infinito de Sancho Panza (1984) reelabora las dos partes de Don Quijote: Sancho intentó ahorcarse al morir su amo; ha ingresado en un manicomio, cuyo siniestro Doctor narra cómo convenció a don Quijote para buscar aventuras por los campos de La Mancha. Escribe Jenofa Juncal, la roja gitana del monte Jaizkibel y Los últimos días de Emmanuel Kant contados por Ernesto Teodoro Amadeo Hoffmann, estrenada ésta última en febrero de 1990. En nota a ¿Dónde estás, Ulalume, dónde estás? (1990) se despide del teatro: "es...el acabose". Pero sigue escribiendo teatro, ensayo y poesía. En 1993 recibió el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática.

Alfonso Sastre escribió también cuentos de terror, género al que era muy aficionado, que toca ocasionalmene en su teatro y poesía y que recopiló en Las noches lúgubres. También escribió crítica literaria y política y ejerce habitualmente como colaborador en varios periódicos. También escribió una breve autobiografía, Sonata en mi menor, y hay editadas colecciones de cartas y alguna entrevista. Comprometido a fondo en la lucha contra el franquismo, sostuvo una notoria polémica con Antonio Buero Vallejo sobre el modo de luchar con el teatro para cambiar la sociedad durante la Dictadura; mientras que Buero defendía el posibilismo, es decir, aprovechar cualquier resquicio que permitiera la censura franquista para intentar cambiarla desde dentro, Sastre consideraba más radicalmente que esta actitud era una claudicación y optó por un teatro extremista que apenas encontró forma de poderse representar fuera de cenáculos muy limitados merced a la presión de la censura y las dificultades que ponían los empresarios teatrales. El teatro de Sastre, sin embargo, no atiende sólo al contenido y está preocupado por las cuestiones formales y estructurales y es sensible, pues, a cualquier renovación que provoque la concienciación y el resquebrajamiento del teatro burgués (...)
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Re: GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor BERTH el Mié Jun 24, 2009 7:36 pm

Zakil_txiki escribió:Alfonso Sastre Salvador (Madrid, 20 de febrero de 1926)



jajajajaja, Gran Escritor Castellano????? Respuesta: NO, porque ni es manchego ni castellanoleonés, sino madrileño. :lol: :lol: :lol:

Creo que tiene ahora una compañía de teatro que pretendía iniciar una gira por Europa, pero creo que se quedó solo en eso, en una iniciativa, y nada más.... quizás el problema sea la falta de audiencia y espectadores. Sobreactuar con tanto dramatismo no puede ser bueno.
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Re: GRANDES ARTISTAS VASCOS?????

Notapor Schok el Mar Jul 07, 2009 1:34 pm

Entre los mejores pintores vascos no habéis incluido a Jacinto Olave, un eibarrés que nunca dio a conocer al público en general su obra. Extraño caso el suyo, pero era un gran pintor. En la primavera, en la Kutxa de Donostia expusieron 85 cuadros suyos.
Juan San Martin, primer ararteko y gran entendido en pintura, siempre decía que Olave era tan bueno que Zuluaga, pero que no quiso exponer sus cuadros y no fue conocido en vida.

Su obra

Su obra se caracteriza por un trazo suelto y amplio en la que se adivina la influencia de la escuela de San Fernando y una clara tendencia modernista. Se mantuvo al margen de las diferente influencias que se fueron sucediendo, creando un estilo propio. No se le puede enmarcar en el estilo neoclásico y fue uno de los precursores de lo que después sería conocido como escuela de pintura vasca.
Sus retratos tienen un fuerte componente psicológico reflejando el alma de personaje. Su pintura es fuertemente realista y busca la expresión íntegra, hace de sus retratos estén llenos de vida. Junto al retrato la temática de sus lienzos se basa en el etnicismo vasco. Olave recurre a la vida tradicional del país para obtener su inspiración artística que remodelaba en los que algunos críticos han llamado "poesía" perteneciendo al grupo de pintores interesados solamente por el arte y hacia el arte

La exposición de Jacinto Olave vuelve a demostrar su maestría en el retrato

En vida no quiso mostrar sus cuadros y regaló retratos y pinturas de familias enteras a los eibarreses. La sala de exposiciones de la Kutxa acoge una muestra con 85 cuadros, de los que 59 son óleos y 26 dibujos

EIBAR. DV. La exposición de Jacinto Olave (1877-1957), en la sala de exposiciones de la Kutxa, en Donostia, ha demostrado, nuevamente, la enorme capacidad del pintor eibarrés por el retrato, género en el que se desenvolvió con mayor maestría. Su vocación retratista se inició ya en su infancia, en aquellos primeros retratos ejecutados en Argentina, para continuar después con los que le ayudaron a subsistir durante sus estudios en Madrid y con los que durante cinco décadas realizó en Gipuzkoa. Incluso durante los tres lustros de abandono de la pintura continuó ejecutando retratos a lápiz y al carboncillo. Olave fue un gran retratista no sólo por poseer una magnífica capacidad técnica que le permitió reproducir con fidelidad las fisonomías de quienes posaban para él, sino, sobre todo, por su excelente habilidad para insuflarles vida y captar su alma. En su actitud ante el retrato hay cierta obsesión por la captación psicológica.
Los críticos llegaban a afirmar de Olabe que «cuando pintaba (...) toda su alma se concentraba en su modelo; miraba y remiraba con aquella su profunda y penetrante mirada; nervioso, se adelantaba y retrasaba, y cuando captaba la nota o el rasgo que a él le convenía, con vivo movimiento y firme decisión, mezclaba en su mágica paleta los colores y daba con energía una pincelada de trazo rápido».
A estas cualidades debe sumarse la elegancia natural de las que dotó a los retratados, en gran medida resultado de una estudiada sobriedad compositiva. Por lo general, los modelos se presentan sentados y en muchos casos de perfil, aunque girando el rostro hacia el espectador con serenidad. «Olave dispuso con gran corrección los brazos y las manos -magníficamente pintadas-, lo que favoreció también esa pretendida imagen de distinción», expresa el catálogo editado con motivo de la exposición en la sala Kutxa.
La contención se manifiesta, además, en las gamas cromáticas empleadas, que por lo general se alejan de las estridencias, para crear armonías en tonos fríos o cálidos. Sin constituir una norma estricta, habitualmente en los retratos masculinos tiende a los colores cálidos (marrones y rojos), y en los femeninos a los fríos (azules, malvas y morados).
Entre sus trabajos se encuentran retratos que fueron encargos de particulares eibarreses o regalos a familiares y amigos, con lo que habrá que considerar que en toda su obra también está reflejada parte de la historia de Eibar. En las décadas de 1930 y 1940 comenzó a dedicar mayor atención a los retratos infantiles, entendidos especialmente con el propósito de ejercitarse, y no como un modo de aumentar sus ingresos.
Con esa misma intención pintó en la última década de su vida un gran número de autorretratos. El carácter introspectivo de Olave favoreció sin duda el magnífico interés del artista por estudiar su propia figura, por convertirse a sí mismo en objeto pictórico.
En la exposición instalada en Donostia se han reunido cerca de una decena de ejemplos de los muchos que pintó en los años cuarenta, en los que varían los elementos con los que se viste, pero mantiene ese carácter severo, adusto, que transmite su mirada inquisitiva, del artista reconcentrado en el proceso pictórico.

Pintura costumbrista

Aunque de su primera época sólo nos ha llegado una pieza, ésta, La buena madre (1901), evidencia la adscripción de Olave al círculo de Luis Menéndez Pidal, pese a que
no se conoce su vinculación directa con el maestro asturiano, puede suponerse que asimiló su lenguaje de raigambre velazqueña a través de sus compañeros Salaverría y Martínez Sierra, dos de los discípulos preferidos de aquel.
Las siguientes obras costumbristas tuvieron que esperar hasta la segunda mitad de la década de 1910, una vez que Olave retomase la práctica pictórica a raíz de su éxito en la Exposición de Artes e Industrias de Eibar de 1914 con, precisamente, la tardía presentación en sociedad de: La buena madre.
Pese a que a partir de entonces se consagró a la pintura de retratos, los temas de costumbres tendrían un significativo desarrollo en su producción. Un buen ejemplo lo constituyen las composiciones de finales de la década, todas ellas hoy en paradero desconocido y de las que sólo nos han llegado someras descripciones.
Tras esta intensa incursión en el género, con cinco obras en poco más de un año, de la década de 1920 sólo se dispone de un par de ejemplos: Arrantzale y Romería (1929). La primera recuerda en el tratamiento de las luces del fondo. Parece como si ampliara la visión de la escena de Aurelio Arteta, uno de sus compañeros de estudios, como si su pescador, que trata de encender su pipa frente al vendaval que comienza a arreciar, fuera uno más de esos personajes que asisten junto al mar a la llegada del temporal.
A estos dos ejemplos de los años veinte no le siguió ninguno durante la década de 1930-siempre a tenor de las piezas localizadas-, y no fue hasta mediados de los años cuarenta cuando retomó el género con fuerza.
Pintó entonces las dos versiones de El piropo (c. 1945 y 1950), las dos de Regreso del mercado (c. 1948), las dos de La joven familia, y una nueva de: La niña enferma (1948) y El cafetín (1948).
No obstante, durante la década de los años cincuenta, ya en sus años finales, recurrió al plano general para sus recreaciones de las escenas de costumbres. La vuelta de la romería, Encuentro al atardecer o Arrate en septiembre.
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